Antoni Gaudí i Cornet (1852-1926) es el arquitecto más popular de la historia. Su revolución de la arquitectura y de las artes plásticas sienta las bases del arte actual y futuro. La obra de Gaudí es una búsqueda de la perfección del arte,de la perfección personal y de la perfección de la sociedad humana.

Él lo expresava así:

«Para hacer las cosas bien es necesario:

primero, el amor; segundo, la técnica».

Nació en Reus el 25 de junio de 1852. Fue un niño enfermo, lo que le impidió asistir regularmente a clase y le obligó a pasar largas temporadas en la masía familiar de Riudoms, donde captó la luz mediterránea y las imágenes de la Naturaleza, que él siempre consideraría su gran maestra. Además, ayudando a su padre en el taller de calderería aprendió las virtudes del trabajo y la transformación de las superficies en volumen, lo que facilitó mucho su imaginación espacial.

Cursó el bachillerato en los Escolapios de Reus. Durante la Revolución Gloriosa de 1868, se trasladó a Barcelona para estudiar Arquitectura, la pasión de su vida. Fue un mal alumno, pero pasaba horas mirando fotografías de edificios orientales y frecuentaba clases de Filosofía, de Estética y de Historia, así como los conciertos, el teatro clásico y moderno, las lecturas poéticas, las tertulias intelectuales y las visitas a todos los monumentos y paisajes de Catalunya. Gaudí se incorporó a la naciente Reinaxença catalana y llegaría a ser una de sus grandes figuras.

Para mantenerse, tenía que trabajar. Así, colaboró como delineante con ingenieros y arquitectos, como Josep Fontseré, autor del parque de la Ciudadela; Francisco del Villar, restaurador de Montserrat; o Joan Martorell, arquitecto de los Jesuitas, las Salesas y otros grandes templos.

En 1878, al acabar, el director de la Escuela comentó: «Hoy hemos dado el título de arquitecto a un loco o a un genio».

Gaudí fue consciente desde muy joven de su papel de genio del arte, de que sus ideas no eran una repetición o una mera continuidad de lo que habían hecho los arquitectos hasta entonces. Lo único que le asustaba era que ningún otro arquitecto las hubiera puesto en práctica antes y él tuviese que ser el primero. Él había estudiado y descubierto las leyes geométricas y constructivas con que esta hecha la Naturaleza —la obra maestra del Creador— y pretendía realizar su arte con estos mismos modelos; es decir, no copiar a la Creación, sino proseguir su curso, cooperar con el Creador. Es lo que decía: «La originalidad consiste en volver al origen».

Conoció entonces a Eusebi Güell i Bacigalupi (1878), importante empresario con gran sensibilidad artística que entendió a Gaudí y se constituyó en uno de sus mejores amigos y su principal cliente a lo largo de su vida: las puertas de la finca Güell (1884-1887), la casa Güell (1888), las bodegas Güell (1895-1897), el chalet del Catllaràs (1905) y las dos obras más creativas de la madurez del artista: el Park Güell (1900-1914) y la cripta de la iglesia de la colonia Güell (1908-1917).

Gaudí, a la muerte de su hermano Francesc, de su hermana Rosa y de su madre, se hizo cargo de su sobrina huérfana Rosita y de su anciano padre Francesc. Mantuvo relaciones amorosas con la señorita Pepita Moreu, que se saldaron en fracaso. Otras mujeres se cruzarían después en su vida, pero Gaudí finalmente no contrajo matrimonio.

De joven, vivió muy de cerca y estudió a fondo los problemas del obrerismo y sobre todo de las lamentables condiciones de vida de los obreros. Es el momento de la I Internacional, con la tendencia socialista de Marx y la anarquista de Bakunin. Gaudí fue arquitecto de la Cooperativa Mataronense (1874-1885), que propugnaba unir capital y trabajo en un solo elemento: el obrero cooperativista. La Cooperativa Mataronense fue la primera fábrica de Catalunya y una de las primeras del mundo propiedad de sus trabajadores.

A los 31 años, en 1883, Gaudí recibió el encargo de continuar las obras de la Sagrada Familia, apenas comenzada. Trasladó allí su despacho y se compenetró con la finalidad religiosa y artística del Templo. Durante cuarenta y tres años, hasta su muerte, Gaudí dedicaría todas sus energías a desarrollar en el proyecto del Templo sus ideas sobre estructura, forma y simbolismo, fundidos en una síntesis perfecta de formas racionales extraídas de la Naturaleza.

Gaudí tuvo amistad con algunos clérigos innovadores de las reformas sociales y de la reforma litúrgica. El poeta mosén Jacinto Verdaguer; Joan Baptista Grau, obispo de Astorga, que le encargó el palacio (1887-1893); Enric d’Ossó, fundador de las Teresianas, que le encargó el colegio central (1888-1889); Pere Campins, obispo de Mallorca, que le encargó la reforma de la catedral (1903-1914), etc. Por encima de todas, destaca la amistad con Josep Torras i Bages, obispo de Vic, ideólogo y animador del movimiento cristiano de la Renaixença de Catalunya.

Gaudí simultaneó su trabajo en la Sagrada Familia con sus otros encargos, grandes y pequeños, no sólo eclesiásticos o para Güell, sino de otros clientes, como El Capricho (1883-1885), la casa Vicens (1883-1888), la casa Calvet (1898-1899), la casa Batlló (1904-1906), Bellesguard (1900-1909) y la Pedrera (1906-1911).

Su religiosidad se fue intensificando progresivamente. Así, en la cuaresma de 1894, a los cuarenta y dos años, el ayuno estuvo a punto de causarle la muerte. En 1906, a los cincuenta y cuatro años, se trasladó a vivir al Park Güell. Cada mañana bajaba andando desde su casa a la parroquia de Sant Joan de Gràcia para participar en la eucaristía y luego continuaba hasta la Sagrada Familia. Cada tarde, al acabar el trabajo, Gaudí acudía al Oratorio de Sant Felip Neri para realizar sus devociones personales y hablar con su director espiritual, el padre Agustí Mas. Con la convicción de que sin sacrificio es imposible sacar adelante una obra, se entregó a una vida de penitencia y pobreza voluntaria.

Gaudì había manifestado su deseo de morir en el hospital de beneficencia cristiana, como un pobre más. Dios le concedió este deseo. El lunes 7 de junio de 1926 le atropelló un tranvía. Y al no ser reconocido e ir vestido sencillamente, lo llevaron como pobre al hospital de la Santa Cruz. Tres días después, rodeado de sus amigos, dijo sus últimas palabras: «Amén. ¡Dios mío! ¡Dios mío!».

Su entierro fue una gran manifestación, que acompañó el cadáver desde el hospital hasta la cripta de la Sagrada Familia, donde está enterrado.

Josep Maria Tarragona, 8-XII-2006

En el hinduismo, Sarasvati es la diosa del conocimiento y una de las tres diosas principales (siendo las otras dos Lakṣmī y Durgā). Es esposa (o hija, o ambas) del dios Brahmā.

Sárasuatī era una diosa adorada en la religión védica. Es la diosa del aprendizaje y de las artes (por ejemplo, de la música). También es adorada como la diosa de los pensamientos veraces y del perdón. Es mencionada tanto en el Rig vedá como en los Puranas.Es probable que haya comenzado como una diosa meramente fluvial, relacionada con el río Sárasuati, ya que su nombre en sánscrito significa ‘la [zona] que tiene lagos’ (sáras: ‘algo fluido’, un lago, un estanque, vatī: ‘la que posee’). Algunos «estiran» la traducción para que signifique ‘la que fluye’, lo que se puede aplicar a la mente, las palabras, las ideas, o la corriente de un río.En el Rig vedá (6, 61, 7) a Sárasuatī se le atribuye la destrucción —por medio del dios Indra— de Vritrasura, un gigantesco demonio que había acaparado toda el agua del mundo conocido, y que representaba la sequía, la oscuridad y el caos.A veces también se la equipara con otras diosas védicas como Vāch, Savitrí y Gaiatrí.

En el Vedānta se le considera la energía femenina (śakti) y el aspecto del conocimiento del Brahman. Como en los textos védicos, es la diosa del conocimiento, de la elocuencia, la poesía y la música. Los seguidores del Vedanta creen que sólo mediante la adquisición de conocimiento podrán alcanzar mokṣa (la liberación de la reencarnación). Sólo mediante la adoración de Sárasuatī y mediante la búsqueda continua del conocimiento verdadero con atención completa, se puede obtener la iluminación necesaria para alcanzar el mokṣa.

En distintas leyendas contadas en el Majábharata y el Bhágavata Puraná es (contradictoriamente) la consorte del dios Brahmā. En otras leyendas de esos mismos libros, cuando Sárasuati es la hija de Brahmá, la esposa es Savitrí y Gayatri. Su belleza es tal que Brahmá tiene cuatro caras para poder verla desde todas las direcciones.

En las Leyes de Manu se la identifica con Durgā, o incluso con la diosa Lakshmí (la esposa del dios Vishnú) o con la esposa de Manu. En el Majábharata también aparece como hija del prajāpati (‘patriarca’, padre de la humanidad) Daksha.

El Sárasuatī Stuti (‘elogio a Sárasuatī’) declara que ella es la única diosa que es adorada por los tres grandes dioses del hinduismo (Brahmā, Vishnú y Shivá. Ella es la única diosa que es adorada por los devas (dioses menores), por los asuras (demonios), los gandharvas (los músicos celestiales) y por los nagas (los seres serpentinos divinos).

La iconografía de la diosa Sárasuatī la muestra como una hermosa mujer de piel clara, vestida con ropa blanca pura, sentada sobre un loto, aunque se considera que su verdadero vahan (‘vehículo’) es un cisne.

Se la asocia con el color blanco, que representa la pureza del conocimiento. Ocasionalmente se la asocia con el color amarillo, el color de las flores de mostaza, que florecen en la época del festival de Sárasuati, en primavera.

No tiene una cantidad exagerada de adornos (como la diosa Laksmi) sino que está vestida modestamente, quizá representando su preferencia por el conocimiento por encima de los objetos materiales.

Generalmente su iconografía la muestra con cuatro brazos, que representan los cuatro aspectos de la inteligencia humana, según el hinduismo:

la mente (mana),

el intelecto (buddhi),

estado de vigilia y

ego (ahankara).

En sus manos sostiene cuatro objetos:

Un libro (lo cual es un anacronismo, ya que no hubo libros en la India hasta la introducción de la imprenta por los conquistadores británicos, en el siglo XVIII).

Un mālā (rosario) de perlas blancas, que representa el poder de la meditación y la espiritualidad.

Un pote con agua sagrada, que significa que el conocimiento tiene un poder purificador de los pecados.

Una vīna, instrumento musical parecido a un sitar, que representa su grado de perfección en todas las artes.

Sárasuatī también se relaciona con Anurāga (el ‘apego’ por las notas musicales y el ritmo), que representa todas las emociones que se expresan mediante el discurso o la música.

Los hinduistas creen que las niñas que llevan su nombre serán muy afortunadas en sus estudios.

Frecuentemente se muestra un cisne blanco cerca de sus pies. Los hinduistas creen que si se le ofrece a un cisne una mezcla de leche y agua, es capaz de tomar sólo la leche. De esta manera, el cisne simboliza la capacidad de sacar provecho de lo malo, o de obtener sabiduría de un conocimiento maligno. Debido a su relación con el cisne, a la diosa Sárasuatī se la conoce también como Hamsa Vahini: ‘la que tiene un cisne como vehículo’.

Se la pinta al lado de un río (el Sárasuati, que puede estar relacionado con su primera función como una diosa del agua. Su relación con el cisne y con la flor de loto también señala su origen más antiguo que el de otras diosas.

A veces se muestra también un pavo real al lado de la diosa. El pavo real representa la arrogancia y el orgullo debido a la belleza personal. Al tener un pavo real como vehículo, la diosa enseñaría que los hindúes no deben estar preocupados por la apariencia externa.

Fuente | Wikipedia

La sinestesia, del griego συν, ‘junto’, y αισθησία, ‘sensación’, es, en retórica, estilística y en neurología, la mezcla de varios sentidos diferentes. Un sinestésico puede, por ejemplo, oír colores, ver sonidos, y percibir sensaciones gustativas al tocar un objeto con una textura determinada. No es que lo asocie o tenga la sensación de sentirlo: lo siente realmente. La sinestesia es un efecto común de algunas drogas psicodélicas, como el LSD, la mescalina o algunos hongos tropicales.

Los sinestésicos perciben con frecuencia correspondencias entre tonos de color, tonos de sonidos e intensidades de los sabores de forma involuntaria. Por ejemplo, se vuelve más agudo, o tocar una superficie más suave le puede hacer sentir un sabor más dulce. Estas experiencias no son metafóricas o meras asociaciones sino percepciones, y la depresión tiende a aumentar su fuerza. Otro ejemplo, asociar el color amarillo al número 7. Algunos ven colores cuando escuchan música, otros pueden sentir el sabor de las palabras. Otras personas pueden percibir la letra A de color rojo, la S de color amarillo y la Z de color negro.

Científicos de la Universidad de California, sostienen que sus descubrimientos apoyan la idea de que la sinestesia se debe a una activación cruzada de áreas adyacentes del cerebro que procesan diferente informaciones sensoriales, este cruce podría explicarse por una falla en la conexión de los nervios entre las distintas áreas cuando el cerebro se desarrolla en el interior del útero.

La sinestesia puede ocurrir incluso cuando uno de los sentidos está dañado. Por ejemplo, una persona que puede ver colores cuando oye palabras puede seguir percibiendo estos colores aunque pierda la visión durante su vida. Este fenómeno recibe también el nombre de “colores marcianos”.

Sinestesia en el arte

La sinestesia es también una figura retórica que, además de la mezcla de sensaciones auditivas, visuales, gustativas, olfativas y táctiles, asocia elementos procedentes de los sentidos físicos con sensaciones internas (sentimientos). Se le vincula con la enálage –figura gramatical consistente en cambiar las partes de la oración– y con la metáfora, por lo que a veces recibe el nombre de metáfora sinestésica.

Hay precedentes del uso de este tropo ya en la literatura clásica, como por ejemplo Virgilio. En España fue utilizada por los escritores barrocos. Pero fueron los poetas franceses quienes la pusieron de moda en la lírica, especialmente durante la corriente denominada simbolismo, que en España apareció subsumida dentro del llamado modernismo literario. Así, por ejemplo, el poeta simbolista francés Arthur Rimbaud creó un soneto dedicado a las vocales, adjudicando a cada una de ellas un color distintivo, y los poetas modernistas como Rubén Darío podían hablar de sonoro marfil o de dulces azules (gusto más vista). En este caso, se trata de una sinestesia de primer grado, ya que son impresiones de dos sentidos corporales diferentes; pero si se asocia la impresión de un sentido del cuerpo no a otra impresión de un sentido diferente, sino a una emoción, un objeto o una idea, se trata ya de una sinestesia degradada o indirecta, o más bien de la llamada sinestesia de segundo grado, por ejemplo, agria melancolía.

Pero es Juan Ramón Jiménez quien la emplea con mayor asiduidad y perfección, al que seguirán después los poetas del 27:

Es de oro el silencio. La tarde es de cristales azules.

JRJ, Hora inmensa en el cénit azul, una caricia rosa!

JRJ, Elegías lamentables por el verdor teñido de melodiosos oros;

JRJ, Elegías lamentables Las asociaciones sinestésicas favorecen la memorización de conceptos abstractos, al vincularlos con realidades sensibles.

Personajes como Charles Baudelaire, Nikolai Rimsky-Korsakov, Vladimir Nabokov, Marcel Proust, Alexander Scriabin y Olivier Messiaen, Axel Lovengreen, Justin Chancellor entre otros, poseían esta facultad.

Descripción clínica

La sinestesia no es un fenómeno frecuente. Anteriormente se suponía que la sinestesia era muy rara, pero hoy en día algunos científicos han sugerido que es 88 veces más común de lo que se suponía; es posible que el fenómeno ocurra en una de cada 23 personas.[2] Una causa de la diferencia en estas estadísticas es que los sinestésicos no suelen reconocer que la mayoría de la gente no tiene esa capacidad. El tipo de sinestesia en el cual las personas ven colores cuando oyen o leen letras y números es el más frecuente, hasta 1% de personas. Otras personas saborean sonidos y colores, entre otros. Véase el artículo: Conciencia (Psiquiatría).

Nuevas investigaciones muestran que la sinestesia ocurre mucho más frecuentemente de lo que se pensaba. Es difícil describir las capacidades de los sinestésicos porque hay muchas clases. Algunos sinestésicos son extraordinarios y poseen una profunda sensibilidad musical, pues pueden distinguir e identificar sonidos que, a nivel consciente, no son fácilmente percibidos por otros humanos “normales” lo cual muchas personas suelen relacionar con el ‘oído absoluto’.

Algunos sinestésicos se deleitan escuchando ópera, visualizando muchos colores y sabores. La creatividad es otra característica de estas personas. Actualmente se realizan investigaciones con personas en gran parte del mundo y se ha descubierto que también poseen excelente memoria y poder de recordar hechos, aunque las capacidades extraordinarias no son una condición común a todos los sinestésicos.

Bibliografía

Córdoba M.J. de, Hubbard E.M., Riccò D., Day S.A., III Congreso Internacional de Sinestesia, Ciencia y Arte, 26-29 de abril, Parque de las Ciencias de Granada, Ediciones Fundación Internacional Artecittà, Edición Digital interactiva, Imprenta del Carmen. Granada 2009. ISBN 978-84-613-0289-5

Sanz, Juan Carlos, El lenguaje del color, Madrid, H. Blume, 1ª ed., 1985. Lenguaje del color. Sinestesia cromática en poesía y arte visual, Madrid, H. Blume / Akal, 2ª ed. actualizada y ampliada, 2009.

El tema de lo que separa el arte y el diseño es complicado y se ha debatido durante mucho tiempo.

Tanto artistas como diseñadores crean composiciones visuales usando una base de conocimiento compartido, pero sus razones para hacerlo son completamente diferentes.

Algunos diseñadores se consideran artistas, pero pocos artistas se consideran diseñadores.

Entonces, ¿Cuál es exactamente la diferencia entre arte y diseño? En esta nota, vamos a examinar y comparar algunos de los principios básicos de cada uno.

Este es un tema sobre el que las personas expresan opiniones firmes, y ya estoy deseando leer los distintos puntos de vista en sus comentarios.

Esta nota no es una guía definitiva, sino más bien el punto de partida para una conversación, ¡Así que vamos a tener la mente abierta!

EL BUEN ARTE INSPIRA. EL BUEN DISEÑO MOTIVA.

Quizás la diferencia fundamental entre el arte y el diseño en la que todos estamos de acuerdo es el propósito de cada uno.

Normalmente, el proceso de creación de una obra de arte se inicia con nada, un lienzo en blanco. Una obra de arte surge de un punto de vista, una opinión o un sentimiento que el artista tiene dentro de sí.

Ellos crean el arte para compartir ese sentimiento con los demás, para permitir que los espectadores se relacionen con él, aprender sobre él o se sientan inspirados por el mismo.

La más famosa (y exitosa) de las obras de arte hoy en día es la que establece un lazo afectivo estrecho entre el artista y su público.

Por el contrario, cuando un diseñador propone crear una nueva pieza, casi siempre tiene un punto fijo de partida, ya sea un mensaje, una imagen, una idea o una acción.

El trabajo del diseñador no es inventar algo nuevo, sino comunicar algo que ya existe, para un propósito preestablecido.

Ese propósito casi siempre consiste en motivar a la audiencia a hacer algo: comprar un producto, usar de un servicio, visitar un lugar, aprender cierta información. Los diseños más exitosos son aquellos que comunican su mensaje de forma efectiva y motivan a sus consumidores a llevar a cabo una tarea.

EL BUEN ARTE SE INTERPRETA. EL BUEN DISEÑO SE ENTIENDE.

Otra diferencia entre el arte y el diseño es la forma en que los mensajes de cada uno son interpretados por sus respectivas audiencias.

A pesar de que un artista pretende transmitir un punto de vista o una emoción, eso no quiere decir que ese punto de vista o emoción tenga un solo significado.

El arte se conecta con la gente de diferentes maneras, porque se interpreta de diferentes maneras.

La Mona Lisa de Da Vinci ha sido interpretada y discutida durante muchos años ¿Por qué está sonriendo? Los científicos dicen que es una ilusión creada por nuestra visión periférica. Los románticos dicen que es porque está enamorada. Los escépticos dicen que no existe razón. Ninguno de ellos se equivoca.

El diseño es todo lo contrario. Muchos dirán que con el sólo hecho de que un diseño sea “interpretado”, ha fracasado en su propósito.

El propósito fundamental del diseño es comunicar un mensaje y motivar al espectador a hacer algo.

Si un diseño transmite un mensaje diferente al deseado y su espectador va y hace algo basado en ese ‘otro’ mensaje, entonces no se ha cumplido con el objetivo. Con un buen diseño, el mensaje que el diseñador buscaba comunicar es entendido por el espectador.

EL BUEN ARTE ES UN GOCE. EL BUEN DISEÑO ES UNA OPINIÓN.

El arte es juzgado por la opinión y la opinión se rige por el goce.

Para un visionario y entusiasta del arte moderno, la pieza “Mi cama” (My bed) de Tracey Emin, que fue nominada para el Premio Turner en 1999, puede ser la máxima representación de la expresión artística.

Para un seguidor de arte más tradicional, puede ser un insulto para el medio. Esto se remonta, de nuevo, al punto sobre la interpretación, pero el goce se refiere más a los gustos y disgustos particulares de la gente en lugar del mensaje que obtienen de una pieza artística.

El diseño tiene un elemento de goce, pero la diferencia entre el buen y mal diseño es en gran medida una cuestión de opinión.

Un buen diseño puede tener éxito sin que se ajuste a nuestro gusto. Si logra cumplir su objetivo de ser comprendido y motiva a la gente a hacer algo, que sea bueno o no es una cuestión de opinión.

Podríamos seguir discutiendo este punto en particular, pero con fortuna el principio subyacente ya ha quedado claro.

EL BUEN ARTE ES UN TALENTO. EL BUEN DISEÑO ES UNA HABILIDAD.

¿Qué hay sobre de las habilidades del creador?

La mayor parte de las veces, un artista tiene una capacidad natural. Por supuesto, desde una edad temprana, el artista se cultiva en dibujo, pintura, escultura y el desarrollo de sus capacidades.

Pero el verdadero valor de un artista reside en el talento (o la capacidad natural) con la que nace. Aquí existe una cierta coincidencia: los buenos artistas ciertamente tienen habilidad, pero la habilidad artística sin talento es, debatiblemente, inútil.

El diseño, a pesar de todo, en realidad es una habilidad que se enseña y se aprende. No es necesario ser un gran artista para ser un gran diseñador, sólo se tienes que ser capaz de alcanzar los objetivos del diseño.

Algunos de los diseñadores más respetados en el mundo son conocidos por su estilo minimalista. Ellos no usan mucho color o textura, pero le ceden gran importancia al tamaño, la posición y la distancia, herramientas cuyo uso se puede aprender sin talento innato.

EL BUEN ARTE ENVÍA UN MENSAJE DIFERENTE A TODOS. EL BUEN DISEÑO ENVÍA EL MISMO MENSAJE A TODO EL MUNDO.

Esto realmente entra en el segundo punto sobre la interpretación y la comprensión. Pero si hay algo importante para rescatar de esta nota, es esto.

Muchos diseñadores se consideran artistas, porque crean algo visualmente atractivo, algo que las personas estarían orgullosas de colgar en su pared y admirar.

Pero, una composición visual destinada a realizar una tarea específica o comunicar un mensaje concreto, no importa cuán hermosa sea, no es arte. Es una forma de comunicación: simplemente una ventana hacia el mensaje que contiene.

Pocos artistas se autodenominan diseñadores, ya que parecen entender mejor la diferencia. Los artistas no crean su trabajo para vender un producto o promover un servicio. Ellos crean solamente para tener un medio de expresión, de modo que puedan ser vistos y apreciados por los demás. El mensaje, si es que se le puede llamar así, no es un hecho, sino un sentimiento.

¿QUÉ PIENSAS TÚ?

Dependiendo de cómo se la mire, la diferencia entre el arte y el diseño puede ser clara o nublada. Los dos sin duda se sobreponen, pero el arte es más personal, evoca fuertes reacciones en los que se conectan con su temática.

Concluyo dejándolos con esta cita de Craig Elimeliah, que cubrió este tema en un artículo fantástico para AIGA, que descubrí durante mi investigación para esta nota.

“No pretendo ser un experto en la definición de lo que es arte y qué no lo es, pero sé que si nos fijamos en las diferencias entre el arte y el diseño se verá una línea muy clara entre los dos.

Un ingeniero, si tiene las coordenadas exactas para colocar píxeles de colores diferentes en lugares específicos, podría hacer un hermoso sitio web o anuncio, simplemente siguiendo las instrucciones; la mayoría de los proyectos de diseño tienen un conjunto detallado de instrucciones y la mayoría de los diseños se basan en las tendencias e influencias actuales.

A un artista, por otro lado, nunca se le podrían dar instrucciones específicas en la creación de una obra maestra caótica y única, porque son sus emociones y su alma las que están dictando el movimiento de las manos y los impulsos para el uso del medio.

Ningún director de arte va a gritarle a un artista por producir algo totalmente único, porque eso es lo que hace que un artista sea un artista y no un diseñador. “

Traducido por ~irinamorano para =noticias.

Original Link: The Difference Between Art and Design

Via: noticias

Es lamentable la propaganda que se está haciendo de una costumbre como la noche de Halloween Norteamericano, que  se ha introducido en España desde hace poco tiempo y que empieza arraigar entre nuestros jovenes. Halloween (que en inglés antiguo significa víspera santa), costumbre que se remonta al medioevo, cuando se encontraba muy arraigada la ceremonia celta de esta fecha, donde se creía que los espíritus se levantaban de sus descansos, en particular esa noche y se dirigían a las casas de sus familiares a saldar cuentas, éstos para evitar consecuencias, colocaban en sus ventanas, ofrendas como alimentos o cerveza, para conformarlos y evitar sus maldiciones o venganzas. 

Esta costumbre que se “reimportada” a Europa, no tendría mayor importancia si todo quedara en juego de niños, con sus travesuras y regalos. Lo preocupante que estas costumbres importadas están desplazando el verdadero sentido del culto por los difuntos por un impulso al consumo donde los gran favorecido es el comercio al que le interesa mantener esta moda.

Pilar Méndez

 (Mozart Requiem Agnus Dei)

 Como miembro de la Sociedad de la Acuarela Royal, Goodwin expuesto ampliamente mostrando más de 700 obras. Fue defendido por Ruskin y se entrenó con el Pre-hermandad prerrafaelita. Su emotiva Paisajes Visionary reflejan las influencias artísticas de las luminarias de Turner a Ford Madox Brown.

Estudió pintura en Copenhague y París en el taller de Pierre Puvis de Chavannes con Marie Triepcke, que se casaría con Peder Severin Krøyer. En 1880 se casó con su compañero, el pintor Michael Ancher.

Aunque la cultura imperante dictaba que las mujeres casadas debían dedicarse a las tareas domésticas, Anna continuó pintando casada, pintaba sobre todo escenas íntimas de mujeres y niños en las que destaca la riqueza de colores vivos.

Era la mayor de siete hermanos, seis de los cuales eran niñas. Su padre, Amilcare Anguissola, era miembro de la baja nobleza genovesa. Su madre, Bianca Ponzone, de familia influyente, falleció cuando Sofonisba contaba entre cuatro y cinco años.

Amilcare animó a sus hijas (Sofonisba, Elena, Lucía, Europa, Minerva y Ana María) a cultivarse y perfeccionar sus talentos. Cuatro de sus hermanas también fueron pintoras, pero Sofonisba fue de lejos la que mejor lo consiguió y más renombrada. Elena se hizo monja (Sofonisba pintó un retrato de ella) y tuvo que dejar de pintar, así como Ana María y Europa lo dejaron al contraer matrimonio, mientras que Lucía, la mejor pintora de las hermanas, murió joven. La otra hermana, Minerva, se hizo escritora y latinista. Asdrúbal, hermano varón, estudió música y Latín, pero no pintaba. Su aristocrático padre se aseguró de que tanto Sofonisba como sus hermanas recibieran una buena educación en la que estaban incluidas las bellas artes.
A la edad de 14 años su padre la envió, junto con su hermana Elena, a estudiar con Bernardino Campi, pintor también nacido en Cremona, un respetado autor de retratos y escenas religiosas de la escuela de Lombardía. Cuando Campi se mudó a otra ciudad, Sofonisba continuó sus estudios con el pintor Bernardino Gatti (conocido como «El Sojaro»). El aprendizaje de Sofonisba con artistas locales sentó un precedente para que las mujeres fueran aceptadas como estudiantes de arte. No se sabe con certeza, pero probablemente continuó sus estudios junto a Gatti por tres años. Su trabajo más importante de aquella época es su obra Bernardino Campi pintando a Sofonisba Anguissola, fechado en 1550 y que se encuentra en la Pinacoteca Nacional de Siena.

En 1554, a la edad de 22 años, Sofonisba viaja a Roma, donde conoce a Miguel Ángel por mediación de otros pintores que conocían bien su obra. Este encuentro con el artista fue un gran honor para la pintora y se benefició de ser “informalmente” instruida por el gran maestro. Cuando él le pidió que pintara un niño llorando, Sofonisba dibujó un Niño mordido por un cangrejo, y cuando Miguel Ángel lo vio, reconoció de inmediato el talento de ella. A partir de ese momento, el genio le daba bosquejos de su cuaderno de notas para que ella los pintara con su estilo personal y le ofreció consejo sobre los resultados. Durante al menos dos años, Sofonisba continuó este estudio “informal”, recibiendo una sólida orientación del mismo Miguel Ángel.

El gran historiador del arte Giorgio Vasari escribió sobre ella: «Anguissola ha mostrado su mayor aplicación y mejor gracia que cualquier otra mujer de nuestro tiempo en sus empeños por dibujar; por eso ha triunfado no sólo dibujando, coloreando y pintando de la naturaleza, y copiando excelentemente de otros, sino por ella misma que ha creado excelentes y muy bellas pinturas».

No obstante, no lo tuvo fácil, pues a pesar de que contó con coraje y apoyo, más que el resto de las mujeres de su época, su clase social no le permitía ir más allá de los límites impuestos para su sexo. No tuvo la posibilidad de estudiar anatomía o dibujar del natural, pues era considerado inaceptable para una señora que viera cuerpos desnudos. Esta situación se repetiría un siglo después con Elisabetta Sirani, quien tampoco pudo acceder a una formación artística completa por ser mujer.

En su lugar, Sofonisba buscó las posibilidades para un nuevo estilo de retratos, con personajes con poses informales. Los miembros de su propia familia y su propio rostro eran los protagonistas más frecuentes de sus obras, como se puede ver en Autorretrato (1554; en el Kunsthistorisches Museum de Viena), El juego de ajedrez (1555; Museo Narodowe, Poznan), en el que pinta a sus hermanas Lucía, Minerva y Europa, y el Retrato de Amílcar, Minerva y Asdrúbal Anguissola (1557-1558; Nivaagaards Malerisambling, Niva, Dinamarca).

Cuando ya era conocida, Sofonisba se desplazó a Milán, hacia 1558, en donde pintó al Duque de Alba, quien a su vez la recomendó al rey Felipe II de España. Al año siguiente, fue invitada a visitar la corte española, lo que representó un momento crucial en su carrera. Entonces tenía 27 años.

En el invierno de 1559-1560 Sofonisba llega a Madrid para convertirse en pintora de la corte además de dama de compañía de la nueva reina Isabel de Valois, tercera esposa del rey. Enseguida se ganó la estima y confianza de la joven reina. Durante este tiempo, trabajó estrechamente con Alonso Sánchez Coello; se aproximó tanto a su estilo, que inicialmente el famoso retrato del Felipe II, en edad mediana, fue atribuido a Coello. Ha sido recientemente cuando se ha reconocido a Anguissola como la autora del mismo.

Anguissola pasó los años siguientes pintando sobre todo retratos de corte oficiales, incluyendo los de la reina y otros miembros de la familia real, la hermana de Felipe II Juana, y su hijo, Don Carlos. Sus pinturas de Isabel de Valois y de Ana de Austria, la cuarta esposa de Felipe II, son vibrantes y llenas de vida.

En 1570 aún continuaba soltera. Después de la muerte de Isabel de Valois, Felipe II arregla un matrimonio para Sofonisba. Al año siguiente, la pintora se casa con Don Francisco de Moncada, hijo del príncipe de Paterno, virrey de Sicilia. La ceremonia se celebra con gran bombo y ella recibe una dote por parte del rey de España. Viajaron a Italia tras el enlace; aunque volvieron a España, dejaron esta tierra para viajar a Palermo, donde falleció el marido en 1579.

Fuente: Wikipedia

Fue hija de un retratista del que recibió sus primeras lecciones, aunque ella se benefició más de los consejos de Gabriel François Doyen, Jean-Baptiste Greuze, José Vernet y otros maestros del periodo. Durante su adolescencia, pintaba ya retratos de manera profesional. Cuando su estudio fue embargado por pintar sin licencia, buscó afiliarse a la Académie de Saint Luc, que exhibió su trabajo voluntariamente en su salón. El 25 de octubre de 1774 fue hecha miembro de la Academia Francesa.

En 1776 contrajo nupcias con Jean-Baptiste-Pierre Lebrun, que era pintor y comerciante de arte. Pintó los retratos de muchos de los miembros de la nobleza francesa y conforme al avance en su carrera, se le invitó a Versalles para pintar a la reina María Antonieta. Quedó la reina tan complacida con el trabajo de Vigée Lebrun, que recibió el encargo de pintar más retratos de ella, así como de los príncipes y de numerosos nobles.

En 1781 viajó a los Países Bajos donde los trabajos de los maestros flamencos le inspiraron a probar nuevas técnicas. Ahí, pintó lo retratos de algunos nobles y del Príncipe de Nassau.

El 31 de mayo de 1783, fue aceptada como miembro de la Académie Royale de Peinture et de Sculpture como pintora de alegoría histórica. Adélaïde Labille-Guiard fue aceptada el mismo día. Los hombres a cargo se opusieron a su admisión argumentando que su esposo era un negociante de arte, pero una orden del Rey fijó la decisión una vez que María Antonieta presionó a su marido en favor de la pintora. La admisión de dos mujeres en mismo día suscitó comparaciones entre ambas en vez de comparaciones entre miembros femeninos y masculinos.

Luego de la detención de la familia real durante la revolución francesa Vigée Lebrun huyó de Francia y vivió y trabajo algunos años en Italia, Austria y Rusia, donde su experiencia en tratar con clientes de la aristocracia le resultó útil. En Roma sus pinturas fueron acogidas con gran aclamación y fue recibida en la Academia di San Luca. En Rusia pintó a numerosos miembros de la familia de Catalina la Grande. Durante su estancia Vigée Lebrun fue hecha miembro de la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo.

Fue bienvenida de vuelta en Francia durante el reinado de emperador Napoleón I. Solicitada por la élite de Europa, viajó a Inglaterra a principios del siglo XIX y pintó los retratos de varios notables británicos incluyendo a Lord Byron. En 1807 viajó a Suiza y fue hecha miembro honorario de la Societe pour l’Avancement des Beaux-Arts de Ginebra.

A instancias de una amiga, la condesa Dolgoruki, Vigée Lebrun publicó sus memorias en 1835 y 1837, en donde muestra una interesante perspectiva de la formación de los artistas al fin del período dominado por las academias reales.

Aún siendo activa en su pintura adquirió una casa en Louveciennes, Île-de-France. Vivió en ella hasta que el ejército prusiano la tomó durante la guerra de 1814. Vivió en París hasta su muerte el 30 de marzo de 1842. Su cuerpo fue llevado de vuelta a Louveciennes donde fue enterrado en un cementerio cerca de su antiguo hogar.

En su lápida se lee el epitafio “Ici, enfin, je repose…” (Aquí, al fin, descanso…)

Vigée Lebrun es considerada la más importante artista del siglo XVIII. Dejo tras de sí 660 retratos y 200 paisajes.

Su padre, William Turner, fue un fabricante de pelucas que luego se convirtió en barbero. Su madre, Mary Marshall, un ama de casa, fue perdiendo su estabilidad mental paulatinamente siendo joven, quizá debido a la muerte de la hermana pequeña de Turner, en 1786. Ella murió en 1804, recluida en un psiquiátrico.

Posiblemente esta situación condujo a que el joven Turner fuera enviado en 1785 con su tío materno a Brentford, un pequeño pueblo al oeste de Londres, cerca del río Támesis. Allí Turner mostró por vez primera su interés por la pintura. Un año después asistió a la escuela en Margate, en Kent, al este de Londres, en el área del estuario del Támesis. Por entonces ya había realizado varias obras, que fueron exhibidas en el expositor del comercio de su padre.

Turner entró en la Royal Academy of Art con tan sólo 14 años. Fue aceptado a los 15, pues, a diferencia de sus contemporáneos, estaba interesado en formar parte de ésta. Al principio, mostró un entusiasta interés por la arquitectura, pero su actividad pictórica fue estimulada por el arquitecto Thomas Hardwick (junior). Sir Joshua Reynolds, presidente de la Real Academia en aquel tiempo, admitió a Turner abocándolo definitivamente al mundo del arte. En 1790, tras solo un año de estudio, una acuarela suya fue aceptada para la exposición veraniega de la Real Academia de aquel año. Su primer óleo, Fishermen at Sea, fue exhibido en 1796. Durante el resto de su vida, expuso regularmente en la Academia.

En su juventud aprendió las técnicas de la acuarela en compañía del pintor Thomas Girtin, con quien coloreó varias láminas para ilustrar libros de viaje.

Es comúnmente conocido como el pintor de la luz, renombrado no sólo por sus óleos sino también como acuarelista, pues se le considera uno de los fundadores de la pintura paisajística inglesa a acuarela.

Uno de sus cuadros más famosos es El temerario remolcado a dique seco, pintado en 1839, depositado en el National Gallery de Londres. Véase también La rama dorada.

Turner viajó alrededor de Europa, iniciando su travesía en Francia y Suiza en 1802, estudiando en el Louvre de París, en el mismo año. También visitó Venecia. Durante una visita a Lyme Regis, en Dorset, Inglaterra, pintó una escena de tormenta, ahora en el museo de Cincinnati, Ohio.

Conforme envejecía, Turner se volvió más excéntrico. Tuvo pocos amigos, excepto su padre, que convivió con el treinta años, asistiéndole eventualmente en su estudio. Su padre murió en 1829, lo cual le produjo una honda impresión, por la que entró en depresión.

Murió en su casa en Cheyne Walk, en Chelsea, Londres, el 19 de diciembre de 1851. Según sus deseos, fue enterrado en la catedral de S. Pablo (St Paul’s Cathedral), donde descansa al lado de Sir Joshua Reynolds. Su última exhibición en la Real Academia fue en 1850.

El talento de Turner fue reconocido muy pronto, convirtiéndole en un académico a los 23 años. Tal independencia económica le permitió innovar de manera sorprendente para muchos. De acuerdo con la Historia ilustrada del Arte, de David Piper, sus últimas pinturas fueron denominadas fantastic puzzles (rompecabezas fantásticos). No obstante, Turner es reconocido como un genio: la crítica inglesa, John Ruskin, describió a Turner como el artista «que más conmovedoramente y acertadamente puede medir el temperamento de la naturaleza».

Turner es un pintor romántico interesado en la filosofía sublime; retrata el asombroso poder de la Naturaleza sobre el Hombre. Fuegos, catástrofes, hundimientos, fenómenos naturales son descritos por el pintor. En sus lienzos, constata que la humanidad no es más que un conjunto de peones de la Naturaleza. Como otros románticos, considera el paisaje natural como un reflejo de su humor. Turner mostró el poder violento del mar, como en ‘Dawn after the Wreck (1840) o el Barco de Esclavos, 1840.

Sus primeros trabajos, como Tintern Abbey (1795) o Venecia: S. Giorgio Maggiore (1819), conservan las tradiciones del paisajismo inglés. Sin embargo, en Aníbal atravesando los Alpes (1812), su énfasis en el poder destructor de la naturaleza ya empieza a surgir. Su peculiar estilo de pintura, el cual se caracterizaba por el uso de técnicas exclusivas de la acuarela en la ejecución de sus obras pictóricas al óleo, generaba luminosidad, fluidez y efectos atmosféricos efímeros.

En sus últimos años, empleó cada vez menos óleos, y se centró en la luz pura, en los colores del reflejo. Ejemplos de este estilo tardío son visibles en Lluvia, vapor y velocidad pintado en (1844), donde los objetos son vagamente reconocibles.

Turner, junto con John Constable, fue un estandarte de la pintura inglesa en sus útimos años, y fue popular en Francia también. Los impresionistas estudiaron cuidadosamente sus técnicas, para dilucidar el poder de sus lienzos. En la era del arte moderno, hasta el arte abstracto se ha visto influenciado por él.

Se ha sugerido que los altos niveles de ceniza en la atmósfera durante 1816, que condujeron a unas inusuales puestas de sol durante dicho periodo, pudieron inspirar el trabajo de Turner.

Bibliografia:

PIPER, David (2004). The illustrated history of art. Londres: Bounty Books.

ROBB, David (1951). The Harper History of Painting: The Occidental Tradition. Nueva York: Harper & Brothers