Desde los tiempos más remotos, la arcilla ha sido para el hombre el material más importante para elaborar objetos. Abunda en la naturaleza y es fácil de modelar simplemente con las manos, sin necesidad de utensilios. La arcilla es una mezcla de minerales con una pequeña cantidad de sustancias orgánicas.

Antes de que se inventara el torno, el hombre modelaba la arcilla con sus manos, preparando una pasta que luego apretaba y lavaba para finalmente dejarla decantar en pequeños recipientes. Una vez hecha esta operación, el amasijo se presionaba hasta darle forma, o bien enrollaba en espiral tiras de arcilla. El torno vino a facilitar el trabajo y ayudó a perfeccionarlo.

Si el objeto requiere para su terminación añadir un asa o un pitorro, estos elementos se incorporan después del trabajo del torno. Una vez terminada la pieza, viene el proceso del secado durante el cual la terracota pierde parte del agua. A continuación se cuece en un horno especial que alcanza poco a poco una temperatura de 1.300 a 1.400 grados. La masa se vuelve más dura y compacta. Una vez terminada la cocción, se deja enfriar despacio.

Para la realización de este trabajo se emplean estos utensilios: torno, horno, varillas y matrices. Con las varillas se hacen los acabados y los relieves cuando la arcilla está todavía blanda. ademas la terracota (del griego tierra) es de color amarilo a causa de su composición.

Tim Walker (nacido en Inglaterra, 1970) con sede en Londres se ha establecido en la vanguardia de la fotografía de moda. Sus imágenes de captura de un momento sublime en el tiempo, evocando un sentido de drama épico y la belleza. Impresionante conjuntos y lugares espléndidos yuxtaponer lo cotidiano con lo absurdo y lo fabuloso, para crear cautivadoras, fotografías originales. Imágenes evocadoras de Tim se llena de matices de textura y el detalle intrigante. Su fotografía innovadora es uno de los más imaginativos y exuberante que se producen actualmente.

Link | Web de Tim Walker

Rubens:

El episodio de Saturno es uno de los más dramáticos de los pintados por Rubens para la Torre de la Parada, pabellón de caza cercano a Madrid, encargado decorar por Felipe IV con escenas mitológicas inspiradas en la “Metamorfosis” de Ovidio y escenas de caza realizadas por Frans Snyders y Peter Snayers. Saturno, el principal entre los Titanes, pensó que la mejor manera de evitar que uno de sus hijos le destronase era devorarlos al poco de nacer. El sexto de sus retoños, Zeus, consiguió ser salvado por su madre, Rea, llegando a hacer cumplir el vaticinio y derrotar a su padre. Rubens ha recogido el momento en que Saturno desgarra el pecho de uno de sus pequeños. Se apoya en la guadaña, símbolo del cultivo de la tierra. La expresión de ambas figuras sitúa este lienzo entre los más impactantes del Museo del Prado, sólo comparable con el Saturno de Goya. La enorme figura del dios se recorta entre la oscuridad del fondo. La influencia de Miguel Ángel, que ya viene marcando las figuras del artista desde su estancia en Italia, se aprecia hasta el final. Gracias a la luz, ha conseguido crear un ambiente dramático similar a una obra de teatro, muy empleado en el Barroco, inspirándose en la escuela veneciana liderada por Tiziano. El Banquete de Tereo y la Vía Láctea son otra escenas de la serie.

Goya: 

Saturno devorando a sus hijos es una de las Pinturas Negras realizadas por Goya más desgarradoras y trágicas. Estaba situada en la planta baja de la Quinta del Sordo, en una sala que haría las funciones de comedor o salón principal. Se colocaba frente a los Dos Viejos y junto a Judith y Holofernes. Goya, igual que hizo Rubens en su Saturno para la Torre de la Parada, ha elegido el momento en que el dios del tiempo desgarra el cuerpo de su hijo para que ninguno pudiera destronarle. Pero Júpiter escapó al rito antropófago de su padre y consiguió acabar con su tiranía. Un espacio totalmente oscuro rodea la figura del dios, en la que destaca su deformidad y su rostro monstruoso. Es una magnífica representación de como el tiempo lo devora todo, una de las obsesiones del pintor. La restauración que sufrió la obra al ser pasada del muro al lienzo fue bastante libre y decepcionante, aunque hay que advertir que había perdido grandes zonas de pintura, sobre todo en los ojos. La mayor parte de los expertos coinciden en plantear que la avanzada edad de Goya motivaría una decoración en la que primaba la melancolía y la tristeza por el tiempo pasado, aunque también se hagan referencias al presente. Incluso se ha llegado a ver en esta escena una imagen de Fernando VII devorando a su pueblo.

 ¿Y a ti, cual te parece mas trágica?

“Fantin-Latour (1836-1904)” es el título de esta muestra monográfica sobre uno de los pintores franceses más sorprendentes del siglo XIX y que, sin embargo, no obtuvo la celebridad de sus amigos impresionistas Monet y Degas, ya que ocupó un lugar difícil de encajar en la historia de la pintura francesa.

Discípulo de Courbet durante una breve temporada, la trayectoria artística de Fantin-Latour coincidió con el nacimiento y desarrollo del impresionismo pero nunca llegó a participar en este movimiento como miembro activo, a pesar de que compartía muchas de sus aspiraciones estéticas.

Quizá por ello, su obra ha sido menos estudiada y conocida que la de sus colegas impresionistas y apenas se le han dedicado grandes exposiciones en las últimas décadas.

Por todo, el Museo Thyssen presenta, con esta retrospectiva, un recorrido cronológico de lo más característico de su producción: desde retratos colectivos, de familiares o amigos, a interiores con figuras y naturalezas muertas de vocación realista, pasando por alegorías y fantasías musicales.

Fuente: EFE

En La Sala Cabrera Pinto de La Laguna (Tenerife) exposición de grabados ‘Picasso: La belleza Múltiple’

Esta selección de obras –alrededor de 60 grabados– recoge, además, las diversas técnicas y etapas de su producción gráfica, donde la idea de la belleza y sus variaciones se convierten en un hilo conductor a través del que es posible recorrer la evolución artística de Picasso. Tras su exhibición en Tenerife, donde podrá visitarse hasta el 15 de octubre, la exposición se podrá ver en el Centro de Arte La Regenta de Las Palmas de Gran Canaria a finales del mes de noviembre, informó la Consejería de Cultura en un comunicado de prensa.

Esta exposición se articula a través de 10 secciones, integrada cada una, dependiendo de los casos, por cuatro o cinco obras. La primera mirada, ‘El ideal clásico’, se detiene en el academicismo de raíces clásicas de finales del siglo XIX. Picasso encontró en el mundo grecolatino un repertorio de imágenes que servirían de armazón para derivar sus propuestas plásticas, de manera que es el clasicismo, rico en desnudos y en propuestas vitalistas, en líneas sinuosas y en el respeto a las proporciones, el ideal de belleza que tendrá una mayor perdurabilidad en Picasso.

Así, en la exposición el ideal clásico es el que mayor número de obras presenta, al articularse en tres apartados. El primero de ellos, titulado ‘Apolo’, recoge obras que pertenecen a la Suite Vollard (1930-1936) así como a las ilustraciones realizadas para los libros ‘La chef d’oeuvre inconnu’ (1931) de Honoré de Balzac, ‘Lysistrata’ (1934) de Aristófanes y ‘VIII Pythique’ (1961) de Píndaro. El segundo apartado, ‘Dionisos’ aporta un enfoque más hedonista de la mitología, ya que es el mundo de las bacanales y del desenfreno el que preside estas imágenes, entre las que se incluye la litografía de 1960 ‘Homenaje a Baco’ y representaciones de faunos. Cierra este recorrido el apartado ‘Eros y Thanatos’.

Al igual que sucedió con la recuperación de las formas y modelos de la Antigüedad clásica en el Renacimiento, Picasso también las sometería a revisión desde un nuevo punto de vista. Así sucede en la segunda área, ‘El resurgimiento clásico’, con las escenas de mujeres desnudas en un interior, con los retratos de perfil que apuntan incluso influencia del Manierismo italiano y, desde una perspectiva más atenta a los detalles, la anécdota y los elementos decorativos, con su serie de “La partida del caballero” que nos remite a los desfiles triunfales de los murales italianos.

‘El espejo ajeno’ es el título de otra sección de la muestra. Picasso en la segunda mitad de su vida reinterpretó a los artistas del pasado que más estimulaban su curiosidad. Es así cómo realizó las versiones de la obra de Lucas Cranach que aquí se muestran, copió el retrato que Velázquez hiciera del poeta Luis de Góngora e incluyó, adaptado a la óptica picasiana, uno de los múltiples autorretratos de Rembrandt en uno de los grabados de la “Suite Vollard”.

‘Barroco: horror vacui’ constituye el cuarto eje de la exposición El interés por el equilibrio del clasicismo fue sustituido por el dinamismo turbulento del Barroco, por su propensión a llenar las escenas de elementos que ocuparan toda la escena. También en Picasso se dio esa tendencia, que se iría afirmando en las escenas de la muerte del centauro que Picasso plasmó en las ilustraciones para el libro de Ramón Reventós “Dos contes” (1947).

Continúa el itinerario expositivo con ‘La belleza burguesa’, en un regreso a sus orígenes, a la sociedad de la que surgió, Picasso, hijo de un pintor de escaso éxito pero de muy cuidado aspecto, reaparece en la década de 1950 una galería de figuras que recoge los atuendos y poses de la burguesía decimonónica. En esta labor de evocación se incluyen diversas litografías en las que retrata imaginadas familias así como el retrato de Leon Tolstoy que realizó en 1956 para ilustrar la novela ‘Guerra y paz’ y que constituye un encubierto y elocuente homenaje a la figura paterna.

Via: Europa Press

Aunque no se puede destacar una aportación concreta de Auguste Rodin (1840-1917) al tema de la mitología, este autor lo “interiorizó enormemente”, ha afirmado hoy en la inauguración de la exposición su comisario, Miguel Ángel Elvira.”Lo más personal e íntimo de Rodin es su forma de captar y dar forma humana a los elementos naturales, algo en lo que sigue el espíritu romántico, cuando representa la Tierra como la figura de una mujer que se forma a sí misma saliendo del barro del caos”, ha añadido Elvira.

Mientras, para dar forma a la Muerte modela “a un ser humano que se mete dentro de una cueva y se empieza a cubrir de flores, con lo que el cuerpo humano no se convierte en polvo, sino en naturaleza viva”.

La exposición, organizada por la Obra Social de La Caixa, sitúa a Rodin en su contexto artístico, el del romanticismo final y el periodo simbolista.

Según el comisario, Rodin era “un hombre muy consciente de vivir en el mundo de la literatura de la época, tenía mucho contacto con los literatos y, a pesar de no haber tenido en su juventud una buena formación, cuando descubrió a Dante o Baudelaire se abrió ante él el mundo de la literatura y lo cultivó, leyó mucho a Víctor Hugo y conoció a Verlaine o Rimbaud”.

Entre los temas de la literatura de entonces sobresalía el mundo de una mitología “muy particular, que los románticos y simbolistas no veían como los cuentos que nos contó Ovidio y representaron Tiziano, Rubens o Poussin, sino que buscaban las verdades ocultas de la naturaleza y el trasfondo oculto de la personalidad humana”.

Con esta mentalidad, Rodin “hizo figuras de dioses y héroes, personificó los grandes elementos de la naturaleza y se entretuvo con los dioses que más le gustaban a título personal, como Venus”, ha añadido Elvira.

Al escultor francés le apasionaban también “todos los dioses de naturaleza salvaje” y “compartía con los impresionistas una pasión por el campo y por salir de la ciudad”.

Por su parte, el secretario general de la Fundación La Caixa, Luis Reverter, ha destacado la presencia de “La Puerta del Infierno” en la exposición “tal y como la dejó Rodin”.

Éste fue el “encargo más importante” que recibió el artista, para un Museo de Artes Decorativas que nunca se llegó a crear, y algunas de las figuras del conjunto escultórico, como la que representaba a Dante -que se convertiría en la célebre “El Pensador”- llegaron a independizarse y a convertirse en piezas individuales.

Para esta exposición, que estará instalada en Málaga hasta el 30 de agosto y después viajará a La Coruña y Murcia, el Museo Rodin de París ha cedido, además de las piezas de bronce, varias en yeso y barro, material que utilizaba el artista para modelar.

Fuente: EFE

En 1917 Matisse firmó un nuevo contrato con su galería, Bernheim-Jeune. En ese momento el final de la guerra estaba próximo y el clima artístico de los años anteriores a su estallido, el de las primeras vanguardias, había desaparecido.

A causa de la guerra, Matisse había perdido los clientes rusos para quienes había trabajado durante casi una década con obras de grandes dimensiones como “La danza”. Por ello, para dirigirse al público anónimo destinatario del arte moderno, el pintor tenía que trasladar su investigación a un campo diferente, el de la pintura de caballete.

Para entrar en ese campo nuevo Matisse se trasladó a Niza, que además de gozar de unas condiciones óptimas de luz natural y de un clima agradable, estaba suficientemente lejos de París.

La vuelta a la pintura de caballete reavivó en Matisse la reflexión sobre sus precedentes históricos y centró su atención en los recursos fundamentales del lenguaje pictórico. El color, en primer lugar, y el dibujo, cuyo estudio complementaba con la práctica de la escultura.

A partir de 1927 su producción se hace cada vez más escasa y para salir de la crisis emprende en 1930 un largo viaje a Tahití durante el que deja de pintar. A continuación recibe un nuevo encargo “mural” por parte de Alfred Barnes, en el que volvió al tema de la danza y trabajó durante más tres años.

Durante la ocupación de Francia por los alemanes en 1941 y el armisticio, Matisse decidió quedarse en Niza.

Su salud empeoró y tuvo que sufrir una intervención quirúrgica de la que no se repuso totalmente, aunque no le impidió sumergirse de nuevo en su trabajo concentrándose en una serie de dibujos que tituló “Tema y Variaciones”.

La exposición concluye con ese esfuerzo, que marca el final de la época central de su trayectoria, la de la pintura propiamente dicha, y el comienzo de una época nueva, que será la de los papeles recortados.

Tomás Llorens ha articulado el recorrido en diferentes capítulos titulados “Pintura y tiempo”, con cuadros hechos en los primeros años de Niza; “Paisajes, balcones y jardines” en que explora el espacio exterior; “Intimidad y ornamento” en que naturalezas muertas se yuxtaponen a escenas de interior, y “Fondo y figura”, con el desnudo femenino como centro de atención.

A partir de 1935, vuelve a trabajar en “Une sonore vaine et monotone ligne” (Una línea monótona, vacua y resonante) poema de Mallarmé que dio como resultado una de sus mejores pinturas “murales”, y al que se dedica un capítulo del recorrido.

Sus figuras son cada vez más absortas en sí mismas, más nocturnas e inalcanzables, como las series de dibujos que el pintor agrupó bajo el título de “Temas y variaciones” (1942), con los que acaba la exposición que estará abierta hasta el 20 de septiembre.

Fuente: EFE

Museo Thyssen, exposicion Henri Matisse a partir de Junio

La Fundación Cultural Hispano-Brasileña de la Universidad de Salamanca (USAL) organiza la primera muestra individual en España de la pintora brasileña Tarsila do Amaral, que podrá verse desde hoy, viernes 6 de febrero, en la Fundación Juan March, que colabora en la iniciativa, en Madrid.

Según la institución académica salmantina, la exposición que será inaugurada hoy a las 19.30 horas está formada por unas 50 obras, entre pinturas y dibujos, de la pintora brasileña y “se centra en la producción de los años veinte vividos entre Sao Paulo y París, con un final simbólico en Moscú”.

Además, las creaciones subrayan las conexiones vanguardistas de la artista en la capital francesa, su aprendizaje con pintores como André Lhote y Fernad Léger y, su amistad con algunos poetas galos como Blaise Cendrars.

Para el comisario de la muestra, Juan Manuel Bonet, Tarsila do Amaral “es una de las figuras clave de una vanguardia todavía mal conocida entre nosotros, pero cuyas contribuciones más significativas son de lo más importante que ha dado el continente americano a la cultura moderna”.

Como complemento a la exposición se ha programado el ciclo ‘Antropofagia musical’, que desarrollará tres conciertos en torno a los autores franceses y brasileños que “conforman el eje musical Europa-Brasil”, finalizó la Universidad de Salamanca.

Fuente: Europa Press

“Es un emocionado reencuentro”, declaró durante su intervención el director del museo, Miguel Zugaza. “Hay una gran carga emotiva en la intensa relación entre el pintor y nuestro país”.

La muestra, que podrá visitarse del 3 de febrero al 19 de abril, ofrece una selección de 78 obras. Entre ellas, figuran composiciones singulares y abundante material documental procedente de su taller que descubre alguna de sus ideas más decisivas sobre la muerte, la violencia, el sexo o la naturaleza.

Considerado como uno de los artistas contemporáneos más poderosos del siglo XX, la exposición abarca todas las etapas de la creación artística de Bacon, estructuradas en capítulos que pretenden ordenar sus obsesiones.

Según los expertos, ningún artista supo capturar el horror del siglo XX como lo hizo Bacon.

Como ejemplo, se incluyen cuadros tan destacados como sus revisiones sobre el “Retrato de Inocencio X”, de Velázquez, además de los trípticos en homenaje a George Dyer y sobre la Crucifixión.

“Su trabajo es grandioso, magnífico y único”, afirmó Manuela Mena, jefa de Conservación del Prado. “Bacon fue el pintor del horror, la violencia y la guerra, pero también el de la fragilidad, la poesía y el paso del tiempo”.

La vinculación de Bacon con el Prado fue resumida casi entre lágrimas por Mena, quien hace años tuvo la oportunidad de guiar personalmente al pintor británico por el museo madrileño para explicarle los secretos de la pintura española.

“A él (Bacon) le hubiera gustado ver sus obras en el Prado y estaría abrumado por el honor”, dijo.

La retrospectiva conmemora el centenario del nacimiento del artista en 1909 y fue organizada por la galería Tate de Londres, el Metropolitan Museum de Nueva York y el Prado. Después de inaugurarse en Londres donde estuvo del 11 septiembre de 2008 hasta el 4 de enero de 2009, Madrid recoge ahora un testigo que cederá finalmente a Nueva York del 18 de mayo al 16 agosto.

“La posibilidad de ver a Bacon en el museo que tanto amaba, junto a Goya y Velázquez es muy emocionante”, aseguró Chris Stephens, responsable de Conservación de la Tate.

Se trata de una rara oportunidad, ya que la mayor parte del legado artístico de Bacon está en colecciones privadas, especificaron los organizadores.

España no acogía una gran exposición sobre el pintor británico desde 1978.
Fuente: Associated Press