Tina Darling artista plástica e ilustradora, es originaria de Denver, Colorado. Trabaja principalmente con acuarelas y tintas, sus pinturas son a menudo femeninas, oscuras y etéreas. Su estilo incorpora trabajos de línea curvilínea y patrones en imágenes de ensueño, se inspiran en el mundo natural, la energía expresiva y de contenido emocional.

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Nacida en Venecia, Carriera fue una prominente y muy admirada artista del rococó italiano. Su familia provenía de la baja clase media veneciana y de niña comenzó su carrera artística realizando patrones de encaje para su madre, que se dedicaba a este comercio.

Con la popularidad del tabaco en polvo o rapé, comenzó a pintar miniaturas para las tapas de las cajitas de rapé, y fue la primera pintora que usó marfil con este propósito. Comenzó, pues, su carrera artística pintando estas cajitas con graciosas figuras femeninas que más tarde hicieron su fortuna traspuestas a la miniatura sobre marfil. Fue la primera que utilizó el marfil en las miniaturas, lo que le dio esa luminosidad característica de sus obras, e igualmente fue la primera en no seguir las reglas académicas según las cuales una miniatura debía realizarse con trazos y puntos breves y bien amalgamados; en lugar de ello, Carriera utilizó el trazo veloz característico de la pintura veneciana.

Gradualmente esto le llevó a pintar retratos, de lo que fue pionera en el uso exclusivo del pastel. Los visitantes extranjeros destacados que acudían a Venecia, jóvenes hijos de la nobleza en su “gran viaje” y diplomáticos, por ejemplo, rivalizaban en ser pintados por ella. Entre los retratos de este primer periodo, se encuentran los de Maximiliano II de Baviera, Federico IV de Dinamarca, las 12 damas más hermosas de la corte veneciana, la “Artista y su hermana Naneta” (Uffizi), y Augusto el Fuerte de Sajonia quien adquirió una amplia colección de sus pasteles.

En 1705, fue aceptada como accademico di merito por la Academia de San Lucas romana, un título reservado a los pintores no romanos, con la miniatura sobre marfil Fanciulla con colomba, gracias también a un intermediario, su amigo Cristiano Cole.

En 1720 es admitida en la Academia de Bolonia. En 1721, durante su primer viaje al extranjero a París, sus retratos tuvieron gran demanda. Mientras estaba en París, como invitada del gran aficionado y coleccionista de arte, Pierre Crozat, pintó a Watteau, toda la nobleza y la realeza, desde el rey y el regente hacia abajo, y fue elegida miembro de la Academia Francesa por aclamación. También conoció a Jean-Étienne Liotard y Maurice Quentin de La Tour. Su cuñado, el estimado pintor Antonio Pellegrini, se casó con su hermana Angela, que también estaba en París ese años. Pellegrini fue contratado por John Law, un financiero y aventurero británico, para pintar el techo de la Grand Salle en el edificio del nuevo banco de Law. Su otra hermana, Giovanna, y su madre, formaban parte del grupo. Ambas hermanas, aunque particularmente Giovanna, la ayudaron en la pintura de los cientos de retratos que la pedían. El diario de Rosalba sobre esos 18 meses en París fue más tarde publicado por su devoto admirador, Antonio Zanetti, en 1793. También se publicó su amplia correspondencia[2] Regresó a Venecia en 1721, visitó Módena, estando documentada su presencia allí en 1723 para retratar a la familia de Este. También estuvo en Parma, fue huésped de los condes Lantieri de Goritzia y, en 1730, está en la Corte de Viena donde retrata a varios miembros de la familia real. Fue recibida con mucho entusiasmo por gobernantes y cortesanos.

En su vida posterior, hizo un largo viaja a la corte del rey de Polonia, donde tuvo como alumna a la Reina. El rey reunió una amplia colección de sus obras que más tarde formaron la base de la gran colección en la galería Altemeister de Dresde.

Marchó entonces a Venecia, aún ampliamente popular y con muchos encargos, y de hecho, la persona que obtenía ingresos de la familia.

En persona, no era una mujer hermosa, sus autorretratos muestran un rostro hogareño con una nariz larga y desproporcionada. Era conocida por la dulzura de su disposición y la limpieza y propiedad de su ropa, pero también tendía a la tristeza y la depresión, que se ha atribuido al hecho de que nunca se casó. En Prideaux Place, Padstow, Cornualles, hay un encantador retrato de esta artista de Humphrey Prideaux, el arquetípico hijo de la gentry inglesa pintado durante su “Grand Tour” en el que existe la leyenda de que escondió una carta de amor. Tuvo muchos amigos masculinos, pero no llegó a casarse.

Sus últimos años fueron trágicos, pues enfermó de la vista, probablemente dañada por su pintura en miniatura de juventud, hasta el punto de quedarse completamente ciega. Sufrió dos operaciones de cataratas pero no sirvieron de nada. Sobrevivió a toda su familia, pasando sus últimos años en la pequeña casa en el área de Dorso-Duro de Venecia donde había pasado toda su vida.

Fuente | Wikipedia

Mary Stevenson Cassatt (Allegheny City, Pennsylvania, 22 de mayo de 1844 – Château de Beaufresne, cerca de París, 14 de junio de 1926)  pintora estadounidense.

Nació en Allegheny City, ciudad que actualmente forma parte de la de Pittsburgh. Perteneció a una familia acomodada en la que la educación era muy valorada y en un ambiente que concedía gran importancia a la cultura de viajar. Los negocios de su padre le permitieron ya durante su infancia pasar cinco años en Europa y visitar las principales capitales, como Londres, París o Berlín; durante esta estancia aprendió idiomas y recibió sus primeras clases de música y dibujo.

A pesar de no contar con la aprobación de sus padres, a la edad de quince años inició sus estudios de pintura en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania (1861-1865). En 1866, cansada de la actitud condescendiente de profesores y alumnos, así como del lento desarrollo de las enseñanzas, decidió estudiar a los maestros del arte por sí misma y se trasladó a París en compañía de su madre y algunos amigos de la familia. Dado que no era posible para las mujeres matricularse en la Escuela de Bellas Artes, siguió estudios privados con diversos artistas, y realizó mucha práctica como copista en el Museo del Louvre.

A fines del verano de 1870, al iniciarse la guerra franco-prusiana, regresó a los Estados Unidos y vivió nuevamente con su familia, por entonces radicada en Altoona. Su padre aún continuaba resistiéndose a aceptar su vocación, por lo que le financiaba sólo las necesidades básicas y no los materiales artísticos, además muy difíciles de conseguir desde allí. Expuso un par de cuadros en una galería neoyorquina, encontrando elogios pero no compradores; en Chicago, a donde se trasladó a probar suerte, perdió varias pinturas en el gran incendio de 1871. Poco después recibió un encargo del arzobispo de Pittsburgh para realizar dos copias de Correggio en Parma (Italia), y tras su regreso en otoño comenzaron a cambiar sus perspectivas, exponiendo y vendiendo sus primeros cuadros. Un nuevo viaje la llevará en 1873 a Madrid y Sevilla, donde realiza varios cuadros de temas españoles.

En 1872 observamos una maduración en su estilo, debido en parte al estudio de los maestros en los más importantes museos europeos y a las indicaciones de su maestro Camille Pissarro. Ese mismo año una de sus pinturas fue aceptada por el jurado para ser expuesta en el Salon de París. Los críticos dijeron que sus colores eran muy brillantes y que sus retratos demasiado fieles para favorecer al modelo. Cassatt realizó frecuentes críticas a su vez sobre las dificultades que una mujer encontraba para que sus obras fueran aceptadas en el Salón.

En 1874 decide mudarse definitivamente a París, junto con una de sus hermanas. En 1875, después de ver una obra al pastel de Edgar Degas en el escaparate de una galería de arte, supo que no estaba sola en su rebelión, y en una carta a un amigo encontramos lo siguiente: “Solía aplastar mi nariz contra las ventanas para absorber todo lo que podía de su arte… Cambió mi vida, desde entonces pude ver al arte del modo que siempre quise verlo”.

En 1877, en uno de los más bajos momentos de su carrera tras el rechazo de las dos obras que había presentado al Salón, el propio Edgar Degas la invitó a exhibir su trabajo junto a los impresionistas, que tres años atrás habían comenzado a exponer sus obras de forma rebelde e independiente, lo que la llevó a participar en varias de las exposiciones impresionistas a partir de 1879. Poco después de su triunfo con los impresionistas, Cassatt dejó la pintura para hacerse cargo de su madre y hermana, quienes enfermaron luego de mudarse de nuevo a París en 1877. Su hermana murió en 1882, lo que dejó a la artista sin ánimo para pintar; su madre recuperó la salud, tras lo cual retomó la pintura.

Permaneció unida al círculo de los impresionistas hasta 1886, pues ya no se identificaba con éste ni con ningún otro movimiento artístico; a pesar de ello, no perdió su amistad con Degas y Berthe Morisot. El estilo de Cassatt continuó en evolución, acercándose hacia una honesta y simple copia de la realidad; empezó a experimentar con varias técnicas, y en su trabajo posterior podemos observar que casi un tercio de sus pinturas nos muestran escenas domésticas y retratos de madres e hijos en íntima relación, especialmente a partir de 1900.

La década de 1890 fue la época más creativa de Cassatt; expuso regularmente en las galerías neoyorquinas e incluso se convirtió en modelo a seguir para jóvenes artistas norteamericanas a las que aconsejaba en sus carreras; entre éstas destaca Lucy A. Bacon, que fue presentada por Cassatt a Camille Pissarro. Al iniciarse el nuevo siglo trabajó como consejera para varios coleccionistas de arte, a los que recomendaba que eventualmente donaran sus compras a los museos de arte norteamericanos. Sin embargo, el reconocimiento amplio de su arte fue tardío en los Estados Unidos.

En 1891 exhibió una serie de coloridas pinturas entre las cuales estaban Mujer tomando un baño y El salón de belleza, cuadros inspirados en el arte japonés que fueron exhibidos en París un año antes. Fue en general hostil a los movimientos pictóricos posteriores, como el posimpresionismo, el cubismo y el fauvismo. Un viaje realizado a Egipto en 1910 dejó a Cassatt impresionada, y también la introdujo en una crisis de salud y de creatividad, considerando que sus manos eran incapaces de reproducir la fuerza de aquel que era seguramente el mejor arte de la Antigüedad. En 1911 fue diagnosticada de diabetes, reumatismo, neuralgia y cataratas, y en 1914 tuvo que dejar de pintar por hallarse casi completamente ciega, a pesar de lo cual en 1915 aún tuvo fuerzas para contribuir con 18 pinturas en apoyo del movimiento sufragista. Tras 11 años de completa inactividad artística debido a su ceguera, falleció en la casa familiar en 1926, y sus restos reposan en un mausoleo en Le Mesnil-Théribus, en la Picardía francesa,[1] país que en 1904 le había concedido la Legión de Honor por sus contribuciones al arte.

Nunca contrajo matrimonio, pues desde muy pronto consideró que ello era incompatible con el desarrollo de su carrera.

Fuente | Wikipedia

Hija del Comandante de Regimiento de Ekaterinburg en 1880 estudió en el taller del pintor Ilya Repin, uno de los principales pintores realistas de Rusia de la época. Sin embargo, su carrera se interrumpió en 1888, cuando se dañó la mano derecha (con la que pintaba) en un accidente de caza.

En 1892 Marianne von Werefkin conoce a Alexej von Jawlensky, con quien se trasladó a Múnich. A partir de entonces abandonaría la pintura durante diez años.

En 1907, Werwfkin compone su primera obra expresionista, bajo la influencia de Edvard Munch. En 1909, junto con Jawlensky, se adhiere a la Nuova Associazione degli Artisti di Monaco y en 1911, al nuevo grupo Der Blaue Reiter.

Con el estallido de la Primera Guerra Mundial, se trasladó a Ascona, en Suiza, donde en 1924 fundó el grupo “Grosser Bar” (Osa Mayor).

Fuente: Maria Von Werefkin (Ingles)

Fede Gallizi, mejor conocida como Galizia, nació en Milán en 1578. Su padre, Nunzio Galizia, quien se mudó a Milán desde Trento fue un pintor de miniaturas . De él aprendió Fede a pintar , y se dice que a la edad de doce años era suficientemente considerada artista como para ser mencionada por Giovanni Paolo Lomazzo, pintor y teórico del arte amigo de su padre, de la siguiente forma: «Esta joven se ha dedicado a imitar a nuestros más extraordinarios artistas».

Cuando Fede estuvo preparada y establecida como pintora de retratos, comenzó a recibir muchos encargos. Posiblemente por influencia de su padre como miniaturista, tuvo tendencia al detalle en sus pinturas. Su tratamiento de las joyas y la vestimenta la convirtieron en una retratista muy buscada. También se dedicó a la pintura religiosa y profana, por ejemplo varias versiones de Judith y Holofernes como la del Museo Ringling de Florida. También pintó miniaturas y retablos para conventos.

El estilo de sus retratos deriva de las tradiciones naturalísticas del Renacimiento italiano, con una aproximación muy realística. El estilo de retrato de Fede Galizia resulta muy evidente en su Retrato de Paolo Morgia,[2] un estudioso jesuita que fue uno de sus primeros mecenas. Morgia era escritor e historiador y quedó muy satisfecho con el trabajo de Fede, en el que lo retrata mientras escribe un poema sobre las obras de la artista.

Fede Galizia recibió además varios encargos públicos para iglesias, como por ejemplo el retablo que pintó para el altar de Santa María Magdalena en Milán (1616).

Cuando no pintaba retratos, la artista se interesó primordialmente en pintar bodegones, un género en el que fue pionera y alcanzó excelentes resultados. Aunque pocas fuentes mencionan este tipo de obras, representan la mayoría de su autoría que se conservan: se han catalogado sesenta y tres trabajos de Galizia, de los que cuarenta y tres son bodegones. Uno de ellos, de 1602 está considerado el primer bodegón firmado por un artista italiano, probando su compromiso con este -en aquella época- nuevo estilo de pintura.

Fede nunca contrajo matrimonio, y se dice que vivió una vida feliz con éxito en su carrera artística. Murió en Milán en 1630.

Fede Galizia pintó retratos, miniaturas y retablos, pero su obra más importante -por la que ganó un lugar en la historia del arte- son sus bodegones. Aunque sus pinturas no ganaron el merecido reconocimiento hasta bien entrado el siglo XX, a través de estudios efctuados entre 1963 y 1989, su obra fue rescatada del olvido.

Su obra muestra un estilo emparentado con el manierismo lombardo de fines del siglo XVI, basado en Mantua y reconocido internacionalmente y especialmente en Francia. Los bodegones de Galizia están entre los primeros ejemplos de pintura en un género en el que una mujer, en parte por estar excluida de otros tipos de obras, alcanzó la excelencia.

Sus bodegones son extremadamente detallados y muy diferentes de los trabajos de su padre: usó colores más vibrantes y detallados. Casi todos sus trabajos de este género incluyen bandejas de frutas, con un tratamiento bien proporcionado que por lo general muestran un mismo tipo de fruta en una canasta o bandeja, con unas pocas caídas alrededor. Algunas incluyen flores frescas u otras especies como forma de marcar un contraste relevante de forma y color, por ejemplo en su Bodegón con duraznos y una porcelana y un cuenco.

La obra de Fede Galizia muestra la influencia de Canasta de frutas de Caravaggio. No exploró las composiciones y formas más esplendorosas usadas por muchos contemporáneos, prefiriendo en su lugar un estilo estrictamente simple como el de Francisco de Zurbarán.

Sus pinturas están plenas de talles, perfectamente balanceadas, y su tratamiento de las luces, sombras y texturas no tiene rival en aquella época. Fue particularmente buena en crear espacios acogedores en sus pinturas, en composiciones equilibradas y poco cargadas. Parec como si uno pudiera tocar las frutas, sentirlas, y quitarlas de la pintura sin estropear el resto del trabajo. A diferencia de sus artificiosos predecesores, sus arreglos son graciosos, naturales y poéticos.

El tratamiento estético de sus bodegones no se vería nuevamente hasta bien avanzado el siglo XVI, e incluso la percepción de los modernos bodegones se basa principalmente en su obra. Muchas de las obras actuales del género muestran directamente la influencia de sus ideas originales. Actualmente no se sabe a ciencia cierta cuantas obras pintó, ya que muchas de sus posibles obras han sido atribuidas a su contraparte masculina, Panfilo Nuvolone, que tomó significativa inspiración de ella.

Fuente | Wikipedia

Orsola comenzó su carrera como pintor, sirviendo como ayudante de su padre. En sutemprana Orsola aprendido a pintar a través de proporcionar el color y la descripción de las figuras secundarias en las pinturas de su padre. De sus cinco hermanas y dos hermanos, Orsola y Francesca (quien murió joven), fueron los dos únicos que se convirtieron en pintores. Guglielmo colocado a seis hijas en el convento que fundó. Orsola llegó a ser abadesa del convento de las Ursulinas y colaboró en la organización de un estudio de pintura en el convento durante su vida. En la madurez de su carrera de pintura, Orsola había estudiantes y asistentes de la suya.

Las pinturas que se han atribuido a la gama Caccia de bodegones de flores a las imágenes de devoción y retablos. Caccia se atribuye a haber pintado el primer registro pinturas de flores italiano. Sus bodegones son equilibradas y cada elemento de la composición es cuidadosamente colocado. Las pinturas tienen un fuerte sentido de la verticalidad, con los tallos de las flores simétricas llegar hacia arriba en la composición. En la parte inferior del campo, Orsola lugares piezas de fruta y un animal (normalmente un pájaro o un insecto) para avivar aún más la imagen.

La inclusión de la naturaleza muerta también se puede ver en la configuración de sus imágenes religiosas. La colocación de los trabajado cuidadosamente las naturalezas muertas en el mayor composiciones es un reflejo de la vida en el interior del convento y Caccia habría tenido acceso, como una artista femenina. Muchas de sus pinturas religiosas aún se pueden encontrar en los pequeños pueblos, era un medio de ganar dinero para el convento, lo que hace su pintura una habilidad valiosa.

Sus pinturas se identifican por una firma de una flor,

El ingreso en los conventos de mujeres con cualidades para el arte, o que tenían parientes artistas, no era un hecho extraordinario en la época de la Contrarreforma. Las monjas pintoras no sólo podían embellecer el convento con sus obras; también podían proveer ingresos a la institución con la realización de sus encargos. Tal fue el caso de una pintora manierista nacida bajo el nombre de Giustina Fetti, quien al ingresar a la orden del Convento franciscano de Sant’Orsola de Mantua, el 3 de diciembre de 1614, tomó el nombre de Suor Lucrina Fetti. Su fecha de nacimiento está calculada, basándose en ese dato, cerca del año 1590. Su padre fue un pintor poco conocido llamado Pietro Fetti y su hermano Domenico también fue pintor.

Lucrina vivió su infancia en Roma, y es probable que recibiera su educación artística de su hermano Domenico, quien fue invitado a pintar en la corte del duque Ferdinando I Gonzaga en Mantua, donde fue acompañado por ella. El duque aportó la dote para que la pintora pudiese ingresar al convento de Sant’Orsola. Luego de la partida de su padre a Venecia en 1622, Lucrina se dedicó a la actividad artística por completo. Trabajó en el estudio de su hermano, pintó retratos de la familia Gonzaga y se dedicó especialmente a la representación de temas religiosos para el convento. En los retratos femeninos de la familia Gonzaga se destacó en la elaboración de los suntuosos vestidos de brocado, enriquecidos con finas joyas. Es característica la postura en tres cuartos de las modelos, y sus rostros son realistas, aunque sin llegar a indagar en la expresión al punto de hundirse en la psicología de los personajes, como puede verse en otras obras del período barroco.

Aunque Lucrina no tuvo las mismas oportunidades para estudiar la figura humana que su hermano Domenico, su pintura demuestra lo que ella pudo aprender a través de la atenta observación. Sus obras religiosas se circunscriben a un manierismo tardío y muestran una teatralidad emotiva acorde con el espíritu de la contrarreforma religiosa.

Lucrina Fetti se mantuvo activa en la pintura hasta la fecha de su muerte, según manifiesta el biógrafo Filippo Balducinni en su obra Notizie de’professori del disegno da Cimabue in qua (1681-1728). Falleció alrededor de 1650. Una prueba del respeto que tuvo la familia Gonzaga por Lucrina es el hecho de que Giovanni Alessandro Martinelli, quien disertara en los funerales de algunos de los duques de Mantua, fuese el encargado de leer la oración fúnebre en homenaje a la pintora, como también lo hiciera en el funeral de Domenico en 1623.

Fuentes:

L’Araba Felice, Dominae

Clara Database of women artists

Inspiradoras piezas de arte hecho solamente con papelería es lo que hace Yulia Brodskaya, con una fabulosa habilidad manual y mezclando conceptos cromáticos y de tipografía.

Su trabajo, abundante en cintas de colores y ornamentos consiste en estar experimentando permanentemente para llevar el estilo logrado en otras direcciones, una de ellas es el medioambiente ya que utiliza en ocasiones material en desecho para lograr cosas asombrosas.

Comenzó su carrera moviéndose principalmente entre pintura de telas, origami y collage; acercándose a las Bellas Artes. Realiza experimentación y exploración en sus obras juntando las cosas que más le gustan: tipografía, papel, color y objetos muy detallados, hechos a mano.

 Los trabajos de esta artista, que ella denomina papergraphics, son muestra de un oficio espectacular, ya sea en la realización práctica de las piezas gráficas como también en el uso cromático y su contraposición con el soporte blanco. Brodskaya genera imágenes muy pregnantes en cada una de las configuraciones tipográficas que realiza, y ocupa el color como un elemento de apoyo a los conceptos que representa.

En cada uno de sus trabajos es posible encontrar un uso cromático intencionado, mediante un conocimieto previo ya sea del contraste, como también de las armonías de color, que aparecen presentes en sus obras de manera frecuente. Destacan entre ellos el contraste de complementarios y la armonía de gamas múltiples.

Además Brodskaya aprovecha de manera muy creativa el material y el soporte de las obras, pues en algunas de las piezas, mediante el reflejo que otorga la superficie blanca, es posible percibir algunas figuras con colores de relleno, que corresponden a ilusiones ópticas cromáticas. 

Esta artista también incorpora el uso del blanco en algunas ocasiones, no tan sólo como fondo sino también como figura, y en otras, como contraforma tipográfica. Este color es un elemento recurrente en el portafolio de la artista, destacando los conceptos de limpieza y pureza que otorga el blanco, y su contraste con la aplicación de multiples tonos.

Yulia Brodskaya es una artista muy prolífica, y aquí se muestran solo algunos de sus últimos trabajos. Además se dedica al diseño gráfico y a la ilustración. Ha trabajado para clientes como The Guardian, The New York Times Magazine, WIRED, Nokia, Starbucks y Orange, entre otros. Y ha sido entrevistada para las revistas IdN Magazine, Étapes, y Notion, entre otras.

Empero, puede mencionarse que la obra de Remedios Varo posee un estilo característico y fácilmente reconocible. En su obra aparecen con frecuencia figuras humanas estilizadas realizando tareas simbólicas, en las cuales se tienen a la vez elementos oníricos y arquetípicos. Su obra entera está teñida de una atmósfera de misticismo, pero plasmado en las figuras representativas del mundo secular moderno. Su pintura está puntualizada por un marcado interés por la iconografía científica. De allí que en tiempos recientes, las obras de la pintora sean retomadas cada vez con más frecuencia en la literatura de divulgación.

Nacida el 16 de diciembre de 1908 en Anglès (Gerona), España. Mostró desde pequeña una natural inclinación e interés por la pintura. Alentada por su padre ingresó en 1924, a la edad de 15 años, a la Academia de San Fernando en Madrid.

Al final de sus estudios, contrajo matrimonio con uno de sus compañeros de estudios, Gerardo Lizárraga, con quien parte a París, Francia, donde residirá durante un año. A su retorno en 1932, se establece en Barcelona, donde ejerce en compañía de su esposo el oficio de dibujante publicitario.

En 1935 se separó de su primer esposo, y hace conocimiento con el pintor Esteban Francés, quien la introduce al círculo surrealista de André Breton. Una vez familiarizada con el movimiento surrealista, se integra al grupo Logicofobista, que pretendía representar los estados mentales internos del alma, utilizando formas sugerentes de tales estados. Durante su colaboración con este grupo, Remedios Varo pinta L´Agent Double, obra que ya anticipa su estilo reconocido posteriormente.

Durante la guerra civil española, Remedios Varo opta sin dudar por el lado republicano. También durante este período y en buena medida gracias a su activo soporte a los antifascistas, conoce al poeta Benjamín Péret, con quien establece una relación amorosa, y parte por segunda vez a París. Ciudad donde residirá hasta la invasión nazi.

En 1941 la pintora y el poeta abandonan la Francia ocupada, y emigran a México, país donde gracias a la política del presidente Lázaro Cárdenas de acogida de refugiados políticos, son rápidamente naturalizados y autorizados a desarrollar una actividad laboral.

En 1947 Remedios se separa de Benjamín Péret, quien retorna al París ya liberado para entonces. Gracias a sus contactos anteriores y sus actividades en México, Remedios parte ese año a Venezuela, como integrante de una expedición científica del Instituto Francés de América Latina. Estando en Venezuela, además de su trabajo de ilustradora entomológica, la pintora pudo continuar enviando carteles publicitarios para Bayer, así como trabajar un corto lapso para el instituto de malariología venezolano.

En el año de 1949 retorna a México, donde continuará con su labor de ilustradora publicitaria. Hasta que en 1952 contrae segundas nupcias con el político austríaco Walter Gruen, con quien permanecerá hasta el final de sus días.

Fue Gruen quien convence a Remedios Varo de abandonar sus labores comerciales, para consagrarse totalmente a la pintura.

En 1955, la pintora presenta al público sus trabajos en una primera exposición colectiva, en la galería Diana de la Ciudad de México. Seguida al año siguiente de una exposición individual.

Durante su estancia en México, la pintora conoció personalmente a artistas como Frida Kahlo y Diego Rivera, pero estableció nexos de amistad más fuertes con otros intelectuales en el exilio, en particular la también pintora surrealista Leonora Carrington.

Remedios Varo fallece de un paro cardíaco el 8 de octubre de 1963 en la Ciudad de México

Nació en Londres, Inglaterra. Pintora de retratos mágicos estilo prerrafelista. Estudió en la academia de un prestigioso pintor y profesor francés de esa época Thomas Couture.

Lamentablemente las obras más importantes de la magnífica Joanna Mary Wells Boyce, se destruyeron por efecto de los bombardeos al territorio inglés, durante la segunda guerra mundial.